domingo, 31 de mayo de 2015

Luces, motor, cámara... ¡Ficción!

Antes de comenzar el verano nos planteamos recordar un mes más el último film de Álex de la Iglesia, una comedia negra, ficción dentro de ficción, la ejemplificación de la falsedad y de una alegría agria y amarga, todo ello bajo el nombre de "Mi Gran Noche". Sumergidos en pleno postproducción, Álex de la Iglesia prepara ya sus próximos proyectos, especialmente como productor, ha vuelto a confiar en Zoe Berriatúa para su próximo proyecto "En las estrellas", en la que podría colaborar el gran actor vasco Karra Elejalde. Rescatamos antes de comenzar el verano la película que Álex de la Iglesia ha dirigido a comienzos de este año, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España la han anunciado como el nuevo gran proyecto del cine español, una producción de Telefónica Studios y Enrique Cerezo P.C. (que vuelve a apostar por el director tras "Las Brujas de Zugarramudi"), a la que se han añadido como colaboradores Canal Plus y Televisión Española. En la revista Fotogramas del mes de Junio, Leticia Dolera es entrevistada como directora novel con "Requisitos para ser una persona normal" (una comedia dulce y atípica que se estrenará el 5 de Junio), en ella aclaraba que pese a todo, lo que verdaderamente compone una película es el guión y los actores. Ansiosos esperamos este inminente estreno, entre tanto traducimos sus palabras para aclarar que si ciertos componentes de los films de Álex de la Iglesia son acertados son el guión y el reparto; el cineasta ha brillado siempre por su magnífica dirección de actores y por hacerlo de una forma plural, sus guiones son siempre beastiales, con un mensaje muy personal que hace que su percepción sea aún mayor... Como decíamos en el artículo Adanne vs Alphonso #Fight las redes sociales han sido uno de los fuertes de difusión del film, por ello acompañamos este artículo con una foto del Twitter de uno de los protagonistas: Pepón Nieto. Hasta el próximo mes de octubre, nos despedimos con "Mi Gran Noche".

sábado, 30 de mayo de 2015

El "berlanguiano" Fernán Gómez

Fernando Fernán Gómez ha sido, es, y será el actor español por excelencia, su nariz, su altura, su cabello pelirrojo y su predominante voz le convirtieron en maestros indiscutible de todos los actores contemporáneos, desde su porte elegante y serio maneja la comedia con agudeza y templanza. Luis García Berlanga siempre se arrepintió de no haber podido congeniar mejor su agenda con la de Fernán Gómez, al que finalmente sólo dirigió en dos ocasiones. La semana pasada se dedicó cada noche al recuerdo del Fernán Gómez actor, una serie de películas que nos demostraron su magnífica evolución, desde su juventud con Neville y Poncela hasta su madurez como auténtico maestro en "La lengua de las mariposas" (José Luis Cuerda, 1999), sin olvidar a "El anacoreta" (Juan Estelrich, 1976), una particular adaptación de la misma definición de la palabra, que Rafael Azcona sabe resumir en un cuarto de baño. La definición de Fernán Gómez se le escaparía al propio Azcona (con Berlanga al lado), ayer el programa "Historia de nuestro cine" finalizaba con un emotivo coloquio que al comenzar con el final de "La lengua..." se desarrolló con una melancolía alegre en la que Fernando Méndez-Leite, José Luis Cuerda, José Luis García Sánchez y Emma Cohen recordaron al que sería una de las figuras más influyentes de su vida, tanto en el aspecto personal como en el profesional. Hace unos días preguntaba a Antonio Resines por su convivencia con el actor en "Los ladrones van a la oficina", y no dudó en aclararme que sus comidas con Fernán Gómez durante dos años no se podían comprar con nada de este mundo.


"La lengua de las mariposas" es una película muy bonita, es esa la palabra, consigue transportarnos a una lugar magnífico que se nos descubre bajo la limpia mirada de un joven Manuel Lozano, y se nos filtra a través de las enseñanzas del maestro Fernán Gómez. Luis García Berlanga contó con él para su primera película, "Esa pareja feliz" (Berlanga y Bardem, 1951), aún era un joven actor que, descubierto por el genial Jardiel Poncela, no podía defraudar al espectador, un galán que no era galán, y que precisamente por ello le escogió Berlanga. Las tertulias en los cafés fueron habituales en toda esta generación, cuyo éxito (indiscutiblemente merecido) reside en esta cercanía de los ingenieros de la cultura; escritores, guionistas, directores, pintores, poetas, e intelectuales de café y puro, fueron los encargados de hacer de la segunda mitad del siglo XX una auténtica obra maestra cultural, pese a la dictadura que aún perduraría hasta 1975. Todas las facetas citadas antes las reunía Fernando Fernán Gómez, en una de estas tertulias nació la idea de "El extraño viaje" (Fernán Gómez, 1968), idea que firmaría Luis García Berlanga. Años después escribe su despedida con Azcona, "Moros y Cristianos" (Berlanga, 1987), juntos se ponen de acuerdo para sumarse al homenaje a Fernán Gómez, otorgándole el papel protagonista desde la primera palabra del guión. Digo sumándose al homenaje, porque prácticamente toda la cinematografía de la época escribía papeles pensando en él, y sin Fernán Gómez no podía haber película.


Cuando uno lee su nombre y le recuerda, siente el ánimo de gritar su nombre con todas sus efes y sus agudas imitando su voz grave y a su parecer, gruñona: Fernando Fernán Gómez. Álex de la Iglesia ha sido desde el comienzo un gran admirador de esta generación de actores, en cuanto ha tenido oportunidad ha contado con ellos (Terele Pávez, María Asquerini, Sancho Gracia...), y escapándoselo Fernán Gómez, no dudó en homenajearle en "800 balas" (De la Iglesia, 2002), en la que Sancho Gracia imita la potente voz de Fernán Gómez cuando él mismo nos enseñaba en "El viaje a ninguna parte" (1986), el duro cambio de los actores en su salto del teatro al cine. Homenajes y recuerdos, palabras, coloquios como el de ayer, libros, pocos serán los recuerdos hacia su enorme figura, sus enfados repentinos ante las cámaras de televisión eran una manera particular de recitarnos que ante todo, fuera de la pantalla, el era Fernando Fernán Gómez para su familia y amigos. "El tiempo amarillo" es todo un recuerdo de su vida, un libro que bien podía estar presente en todas las escuelas de filosofía, de cine, y de psicología, un trabajo auto-antropológico en el que Fernando Fernán Gómez estudia a Fernando Fernán Gómez...

jueves, 28 de mayo de 2015

Cenas de Idiotas

Francis Veber se presenta como el autor de esta agradable comedia que parece resistirse a envejecer tras más de veinte años de éxitos, Veber ya se dio a conocer en los años 70' como un dramaturgo y guionista cómico capaz de dominar la materia sin ninguna dificultad, por ello fue nominado al Óscar al Mejor Guión Adaptado por "La cage aux folles" (Édouard Molinaro, 1978), otra gran comedia que analizamos con el motivo de la emisión de su remake, "Una jaula de grillos" (Mike Nichols, 1996). El alcance internacional de la obra llegó con la versión cinematográfica que el propio Veber dirigió en 1998, había formulado un guión excepcional, una sátira social francesa como en pocas ocasiones se ha construido, todo culminó con la elección de un reparto que parece haber nacido con el papel de "La cena de los idiotas" debajo del brazo. "Le Dîner de Cons" (F. Veber, 1998) narra una historia sencilla apoyada en los diálogos, heredados de la fantástica comedia de Louis de Funès. Josema Yuste rescata esta obra mordaz que él mismo representó hace unos años, para hacer una versión trasladada a nuestra España sin perder la esencia de la pura comedia francesa que traspasa todos los poros. El 50% de Martes y Trece se ha hecho también con la dirección de ésta quinta temporada que lleva la obra en cartel, y que tras finalizar el próximo domingo, volverá en Julio.


Apostando una vez más por el teatro disfruto de esta comedia discreta que, pese a conocer los giros de humor de antecedente, nunca decepcionará al espectador. Josema Yuste se deja vencer por algunos tópicos españolas que rebajan el ritmo natural de la obra en algunas ocasiones, además de la reiterativa dificultad de habla del Inspector de Hacienda (¡¡¡Montoro!!! advierten algunos) interpretado por Santiago Urrialde. Sin embargo Ramón Langa, con su imponente voz, consigue llenar el escenario con su presencia, nos lleva a esa persona bien que disfruta con el mal ajeno, y que como marca el guión sufre una buena dosis de su propia medicina, en esta ocasión por Agustín Jiménez, increíble y sensacional. El cómico cacereño alcanza la perfección en alguna de sus escenas, utiliza un amplio material vocal que nos transporta a ese humilde idiota que es Francisco Piñón (François Pignon en la versión original), sus tartamudeos, acentos y confusiones que se acercan a la mejor improvisación, sin duda los dos protagonistas saben llevar con gran talante esta versión, en la que los papeles secundarios son realmente secundarios, Esperanza Lemos y Natalia Ruiz son imprescindibles en el diálogo pero no en la presencia física, al menos más que Manu Badenes en el papel de antiguo amigo recompuesto, sensacional en la versión cinematográfica interpretado por Francis Huster, y que esta ocasión vemos reírse de la situación como un espectador más. Totalmente recomendable les animo a un fin de semana de teatro, disfruten de "La cena de los idiotas" en el Teatro Reina Victoria, cercano y agradable, comedia en tiempo de crisis; si se la pierden aguarden pues volverá en verano...

martes, 26 de mayo de 2015

Pasión por Aranda

Las pasiones humanas, el deseo carnal del ser humano siempre fue y es el eje central de la carrera cinematográfica de Vicente Aranda. Hoy, cuando él nos falta, descubrimos que es el legado lo que realmente trasciende, su cine ha sido siempre provocador e inteligente, con un importante factor erótico que funcionaba como un componente vital de sus personajes, que a su vez desarrollaban distintas historias que navegaban por el cine negro a la española. Precisamente el pasado viernes se emitió en el programa "Historia de nuestro cine" la película "Celos" (Vicente Aranda, 1999),  lo hacía dentro de un ciclo relacionado con el cine criminal. Pedro Costa, uno de sus productores, dedicó largo y tendido entorno a su figura, y a sus eficaces colaboraciones en "El crimen del capitán Sánchez" (1985),  "Intruso" (1993), "Juana la Loca" (2001) o "Amantes" (1991), por la que se hicieron con el Goya a la Mejor Película y al Mejor Director. Su nombre es sin duda imprescindible para conocer la verdadera historia de nuestro cine, un viaje desde la España más oscura, tapizada con la fina tela pantanal de Franco, en la que encontramos "Fata Morgana" (1965) o "La novia ensangrentada" (1972), "Cambio de sexo" (1977) es su propia transición, evoluciona hasta su cine, el cine que conocemos: sucio, perverso y Victoria Abril, son ejemplo de ello "Si te dicen que caí" (1989) o la ya citada "Amantes" (1991).


"La huella del crimen", fantástico proyecto de Pedro Costa, fue todo un nacimiento de ideas, el propio Aranda colaboró en ella con "El crimen del capitán Sánchez" (1985)"Amantes" (1991) nació de ello también, y sus obras "El Lute" (camina o revienta)" (1987) y "El Lute II: mañana seré libre" (1988) son también fruto de esa idea del cine negro/criminal que tanto triunfó en la España de los años 80' de la mano de directores como Eloy de la Iglesia, Pedro Costa, o el propio Aranda. "La pasión turca" (1994) incita al deseo desde el nombre de su protagonista, magníficamente interpretada por Ana Belén, como este son muchos los títulos que han consagrado a Vicente Aranda, merecedor de todos los honores y firme defensor de su cine, desde "El amante bilingüe" (1993) a "Luna Caliente" (2009), su última película. Un cine que pudo desarrollar por completo ideas compartidas por grandes directores como Berlanga o Bigas Luna, que lo intentaron en su día con filmes como "Tamaño Natural" (Luis García Berlanga, 1973) o "Las edades de Lulú" (Bigas Luna, 1990), cuya carga sea tal vez más erótica que sexual. Tuve la surte de conocer a Vicente Aranda hace poco más de un año en el Festival Internacional de Cine de Gijón, era entonces un anciano cargado de cine a sus espaldas, un hombre con la cabeza muy bien ordenada y dispuesto a nuevos proyectos, presentaba sus memorias, junto a su compañera de carrera, Victoria Abril, un hombre que con su sonrisa y su visera conserva todo lo que aún hoy sigue representando, por siempre recordaremos a Vicente Aranda...

sábado, 23 de mayo de 2015

"The Humbling", la humillación

Una vez más la traducción de un título al español vuelve a perder, "The Humbling" (Barry Levinson, 2014) ha sido traducida como "La sombra del actor", sin embargo la película se acerca más a la humillación del éxito en decadencia, que al recuerdo del que fue un gran actor. Una película asombrosa, con una técnica cinematográfica magnífica, juego de sombras, enfoques, cámara en movimiento, todo ello consigue que la confusión de la primera escena se nos haga aún más real. Al Pacino, principal atractivo de la cinta, no defrauda, en un drama sobre un hombre que debe reconstruir su vida, convirtiéndose en comedia cuando lo hace demasiado rápido. Sin duda hubiese sido la película del año si no decayese en el argumento por falta de innovación, desde el primer momento se nos vienen a la mente películas sobre artistas que deben afrontar un nuevo reto, y que se manejan también entre el drama y la comedia. "La sombra del actor" ensombrece bajo títulos como "Cisne Negro" (Darren Aronofsky, 2010) o "Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)" (Alejandro González Iñárritu, 2014), donde la carga dramática de la película recae sobre los roles principales, lo que ha permitido mostrar el gran dominio de interpretación de actores como Natalie Portman o Michael Keaton, lo mismo ocurre con Al Pacino, aunque siendo una actor al que no le queda nada que demostrar, deja en "La sombra del actor" una actuación única llena de pequeños guiños a él mismo como actor, al cine, y al teatro, a Shakespeare y a Hamlet directamente, puede que realmente si navegue por las sombras del cine y el teatro, vistas por un actor humillado por la vida, si que guarda cierta relación con "The Dresser" (Peter Yates, 1983), un actor de Shakespeare con sus propios problemas internos, en España fue traducida también como "La sombra del actor".


Aún no teniendo la sorpresa argumental por lo dicho, sigue siendo una obra sorprendente, superando a algunos clásicos que nos ha ofrecido el director en su cine anterior, vuelve a apostar por la indiferencia entre drama y comedia para mostrarnos una situación complicada, en el fondo vemos a un hombre mayor que se tiene que enfrentar a nuevas situaciones. "Good morning, Vietnam" (Barry Levinson, 1987) y "Rain Man" (Barry Levinson, 1988), algunos de los "hits" del cineasta llevaban también a un protagonista a nuevas situaciones, hallar relación entre sus anteriores trabajos y "La sombra del actor" resulta complicado, pues en esta no se ciñe a un género, no es cine negro, no es un biopic, tampoco un thriller, pero sí tal vez una mezcla de todos ellos. Greta Gerwig aterriza de sus habituales comedias románticas para convertirse en el principal conflicto moral del protagonista, y del espectador que, entre la realidad ficticia que se nos muestra y la ficción dentro de ficción de Pacino, no consigue ubicarla o identificarla. Dianne Wiest es el giro de guión que ahonda en el conflicto moral causado, una papel escrito con cuidado, detallado, y cuya incursión en la ficción de Pacino resulta magnífica. La fiesta del cine, celebrada la semana pasada, me permitió disfrutar de esta película por 2,90 euros, por cierto que se volvió a demostrar que el problema de la no asistencia a las salas sí está en el I.V.A., les recomiendo esta película si son amantes de este cine que en los últimos años está revolucionando Hollywood. 

martes, 19 de mayo de 2015

Princesa a Coppola

Hace unos días se fallaba el Premio Princesa de Asturias de las Artes, fue concedido al director y guionista Francis Ford Coppola, sin duda uno de los grandes de la industria cinematográfica, y sin el que, como comunicó el jurado, el cine no sería lo mismo. Luis García Berlanga fue el primer director en recibir este valorado premio, desde entonces otros grandes como Fernando Fernán-Gómez, Vittorio Gassman, Woody Allen, Pedro Almodóvar o Michael Haneke han sido algunos de los merecedores de este prestigioso galardón que valora su obra como aportación indispensable a el Patrimonio de la Humanidad. Hasta que nos acostumbremos a llamar al "Príncipe de Asturias", "Princesa de Asturias", repasemos la increíble labor cinematográfica de Francis Ford Coppola, desde luego una pieza clave en el Séptimo Arte, capaz de elaborar una obra minuciosamente estudiada convirtiéndola en historia de la humanidad, o de comercializar una comedia que utiliza el apellido Coppola como primer recurso. La familia del director es casi tan extensa como la de su Padrino, de momento su hija Sofia nos ha ofrecido pequeñas obras de gran calidad, que llevan también un cuidado trabajo detrás, como es el caso de "Lost in Translation" (2003) o "Somewhere" (2010), ella ya se convirtió el la Princesa Coppola con su aclamada "María Antonieta" (2006).


A todos se nos cuelan al menos dos películas de Coppola en nuestro "Top 10", en los años 70' revolucionó el cine de la mano de una serie de directores que se abrieron paso de la mano en la gran industria de Hollywood. Coppola, Scorsese, Lucas y Spielberg dominaron desde su punto de vista a la humanidad, mostrándonos su visión de la mafia, el futuro, o el cine de aventuras, elevando la calidad cinematográfica a un nivel que ellos mismos han ido traicionando con trabajos posteriores. "Dementia 13" (Francis Ford Coppola, 1963) fue su primer largometraje, una simple cinta de terror que tras su éxito con "El Padrino" (1972), "El Padrino II" (1974), "Apocalypse Now" (1979), "Cotton Club" (1984), "El Padrino III" (1990) o "Drácula de Bram Stoker" (1992), joyas del cine que permanecen en la filmografía del director, en ocasiones ensombreciendo otras de gran calidad cinematográfica y que sin embargo no han calado tanto entre el público, como es el caso de "La conversación" (1974), "La ley de la calle" (1983), "El hombre sin edad" (2007) o la comedia "Ya eres un gran chico" (1966). Es uno de los padres del cine contemporáneo, tan alejado ya de las risotadas de Charlie Chaplin o la pasividad de Buster Keaton, un cine de acción, intenso, capaz de atraer a nuevo público compaginándolo con esa calidad cinematográfica que hoy vemos en ocasiones especiales, y que rechazamos, como ocurrió con "A propósito de Llewyn Davis" (Hermanos Coen, 2013) o "Magical Girl" (Carlos Vermut, 2014). 




Francis Ford Coppola no tiene nada que demostrar, nos ha demostrado su versatilidad como director, ha corrido peligro de muerte por rodar una escena, y nos ha regalado nuestras películas de cabecera, precisamente por eso se ha podido permitir tales fracasos como "Jardines de piedra" (1987), que con un reparto espectacular pretendía recordar los buenos tiempos de "Apocalypse Now" (1979), o "Jack" (1996), una comedia que también maneja el drama, que difícilmente se sostiene sobre un argumento frágil, y que sin duda salva Robin Williams en el papel principal, como siempre, no se puede decir que sea una film mal rodado. La labor hotelera de Coppola es ya mundialmente conocida, sus hoteles son sinónimo de comodidad, elegancia y discreción, sin duda el que hubiese necesitado Michael Corleone en La Habana. Su última película hasta el momento es "Twixt" (2011) una cinta de terror con la que vuelve a la motivación que le llevó hasta el cine, una cinta que elogia los relatos de Poe (incluyendo al autor en la misma cinta). Su relación con España estos últimos años ha llegado de mano de la Ciudad de la Luz, hoy cerrada, en la que rodó parte de "Tetro" (2009), una cinta difícil de comentar, envuelta en un blanco y negro de fantasía resulta un poco pesada en su comienzo, incluso con Maribel Verdú, sin embargo cuando aparece Carmen Maura con el papel de crítica adorada y vanidosa todo parece dar un vuelco... a mejor. Incluso se rumoreó que Coppola pretendía comprar la Ciudad de la Luz, hoy el gran Francis Ford Coppola es el poseedor del primer Premio Princesa de Asturias de las Artes, una merecida distinción.

jueves, 14 de mayo de 2015

"Historia de nuestro cine" en La 2

*Música inicial de "Plácido" (Berlanga, 1961)* La 2 de Televisión Española vuelve con el ánimo de traer esa cultura por la que tanto ha apostado como canal, en esta ocasión recogiendo algunas de las películas más emblemáticas de nuestra filmografía, una serie de títulos cautivadores que nos conducen por nuestra España más profunda, también por la superficial, y por la popular, el cine da para mucho y este programa, recogido bajo el nombre de "Historias de nuestro cine", intentará acogerlo todo de la mejor manera posible. Cada semana nos ofrecerán cinco películas de Lunes a Viernes, terminando el último día con un coloquio conducido por Elena S. Sánchez, presentadora del espacio que se emite en prime time (22:00h), horario en el que compite con otras series o conocidos programas, de momento esta semana siempre de menor calidad a las grandes obras que se nos presentaron. Esta primera semana, dedicada al cine español en el Festival de Cannes (que acaba de comenzar con Rossy de Palma en el jurado), comenzó con "Bienvenido Mr. Marshall" (Luis García Berlanga, 1953), obra maestra indiscutible que nos volvió a demostrar su actualidad. "La niña de luto" (Manuel Summers, 1964) fue la elegida para la programación del martes, y la neorrealista "Surcos" (José Antonio Nieves Conde, 1951) nos recordaba ayer una España que se enfrentaba al lento avance que le sometía. Se sabe también que Berlanga volverá a estar presente al menos con dos cintas más, "Plácido" (1961) y "La Escopeta Nacional" (1978), también imprescindibles para cualquier lista de nuestro cine. El viernes, tras la emisión de "Viridiana" (Luis Buñuel, 1961) tendrá lugar el primer coloquio, que contará con el recién elegido presidente: Antonio Resines


Un programa muy apropiado, necesario y apetecible, que sin embargo pelea con la audiencia con otras importantes producciones, incluso de la misma Televisión Española. Mañana en La 1 llega el esperado momento de "Cuéntame cómo pasó", mientras que en la 2 se emitirá dentro de "Historias de nuestro cine", "Los Santos Inocentes" (Mario Camus, 1984) otro clásico, Delibes nos narra la pirámide de la España de un época. Sin embargo la cadena estatal tiene en proceso numerosos proyectos relacionados con el cine, entre ellos esta magnífica plataforma (Nuestro cine) en la que reúne sus programas, y en las que nos ofrecen online algunas de las mejores películas españolas de los últimos tiempos, como "Blancanieves" (Pablo Berger, 2012) o "El muerto y ser feliz" (Javier Rebollo, 2012). Y cómo hacer este repaso del cine y Televisión Española sin recordar a la gran Cayetana Guillén Cuervo, mítica divulgadora de nuestro cine, gran actriz y entrañable presentadora, este viernes nos trae en Versión Española el filme "Alacrán Enamorado" (Santiago Zannou, 2013), a la vez que representa en el Teatro María Guerrero "Hedda Gabler". Continuemos apoyando nuestro cine, en la introducción de "Surcos", pudimos ver a un José Luis García Sánchez emocionado con el proyecto, un director que siempre ha apostado por la conservación de nuestro cine, y que este año comenzará con un Archivo para la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España... ¡Viva el cine español, por siempre!

lunes, 11 de mayo de 2015

Vis a vis las series de España

Ha quedado demostrado que la comedia en las series de España no están destinadas al triunfo en audiencia, siempre con algunas excepciones, este año Antena 3 decidió anular "Algo que celebrar" (2015) haciéndonos un gran favor, pues si todos conocemos que el cine de Daniel Sánchez Arévalo es personal e intransferible, era realmente complicado levantar una serie basada en su último filme, "La gran familia española" (Sánchez Arévalo, 2013), ni aún teniendo grandes actores como Luis Varela o Julieta Serrano. Si algo ha dado de sí ha sido "Ocho apellidos vascos" (Emilio Martínez Lázaro, 2014), la fantástica comedia-boom del momento, de la que se prepara una esperada secuela, ha servido como "inspiración" para excesivos sketches de humor, o incluso para una serie de televisión como es "Allí abajo" (2015) con la que el grupo Atresmedia continúa apostando por la comedia, ausente en otras cadenas, que dentro de lo malo no está nada mal, engrandecida aún más con el personaje de vecina entrometida que encarna Carmina Barrios. Telecinco continúa con su eficaz labor de lavado de cerebro, quitando audiencia a algunas de las mejores ficciones españolas como es la genial "Cuéntame cómo pasó" (2001-actualidad), con sus colaboradores que convierten a una sociedad incapaz de revelarse contra ella en su mejor aliada, desde "Sálvame Limón" a "Sálvame Deluxe" (verdadera "kaka deluxe"), pasando por "Supervivientes" o "Gran Hermano" nos muestra una serie de personajes que en el fondo se ríen del espectador mientras vigilan sus cuentas corrientes desde el teléfono móvil.


Después del esperado éxito de "El Ministerio del Tiempo" (2015) con unas cifras impresionantes de share, Televisión Española ha anunciado su renovación, lo que todos los "ministéricos" hemos acogido con gran ilusión. Sin embargo de una serie creada por el desaparecido Pablo Olivares, nos vamos a otra que recordó al guionista televisivo en su primer capítulo, "Vis a Vis" (Antena 3, 2015) brilla por su novedad, por el suspense que causa al espectador el simple hecho de que la protagonista se encuentre en la cárcel, y porque sus notas de humor hacen que no podamos parar de reír con criminales, delincuentes, o funcionarias asesinas. El principal atractivo de "Vis a Vis" son las fantásticas interpretaciones de todas las actrices, con Maggie Civantos como la pobre ilusa que ya comienza a comprender lo que es la cárcel, Berta Vázquez como el "buen rollo" en persona, "La Rizos" nos tranquiliza cada vez que aparece en pantalla, y por supuesto Najwa Nimri en el papel de "Zulema" un pedacito de infierno que ha subido a la superficie. Hoy lunes a las 22:30 en Antena 3 pueden disfrutar del tercer capítulo de esta entretenida serie, con un guión sólido y decidido, que para su triunfo no debería pasar de una temporada. "Vis a Vis" no es una serie como "El Ministerio del Tiempo" capaz de revolucionar las redes sociales y crear afiliados, es una gran ficción que se deja ver muy bien. 

viernes, 8 de mayo de 2015

140 Felicitaciones

Gracia Querejeta llega cargada de sentimiento, suspense, comedia, y drama en "Felices 140" (G. Querejeta, 2015), con un reparto magnífico que controla en todo momento un guión con gusto a verdad y un final que no termina en la sala de cine. La unión entre la directora y Maribel Verdú se hace presente una vez más en esta obra, Antonio de la Torre se introduce en uno de esos papeles que él domina a la perfección (ya explotados salvajemente en películas como "Balada triste de trompeta", Álex de la Iglesia, 2010 o "Primos", Daniel Sánchez Arévalo, 2011) en esta ocasión atacando por la vía mental que en algunas ocasiones supera a la explícita, Marian Álvarez es la clave del cine de "mujeres" también dentro de un personaje moderado, suficiente para sentir a esta joven actriz ganadora del Goya a la Mejor Actriz en el año 2013. Nora Navas y Eduard Fernández son la pieza clave de este gran puzzle, fantásticos como pareja desavenida, al contrario de Ginés García Millán y Paula Cancio o los reyes de la apariencia en sus personajes, destaca la frase que dice Elia (Maribel Verdú): "¿Se puede odiar a una persona a los cinco minutos de conocerla?". Alex O'Dogherty parece desubicado, un sobrante que se luce en algún gag, el joven Marcos Ruiz destaca por ser el niño en edad complicada que debe afrontar situaciones que superan a cualquier persona, lo que da pie al desequilibrio de parte de la trama.


Poco se puede explicar del argumento, la mejor manera de definirlo sería un enorme signo de interrogación. El cine de Gracia Querejeta consigue tratar todos los temas que le interesan, normalmente referidos a la mujer y su situación, y envolverlo con una fina capa de suspense que suele desembocar en lo que escoja el espectador. "Felices 140" es quizás la película más versátil y agradable de la directora, roza diferentes temas y siempre habrá alguno que te enganche. Me gustaría mencionar como escena gloriosa la de todo el reparto interpretando la canción "Money" de la película "Cabaret", un momento de máxima tensión en la que aún queda algún resquicio de felicidad y vida. Debemos disfrutar de esta clase de cine que navega entre la naturaleza humana y nuestra sociedad clasista, cada vez más distancia, perfilada con cierto suspense, que es lo que hace realmente atractiva a la cinta. Ocurriría igual con "15 años y un día" (Gracia Querejeta, 2013), donde se juega con la incertidumbre, tanto del protagonista como del espectador, nadie sabe lo que realmente ha pasado hasta que poco a poco lo desvela la historia. Querejeta afronta ahora una nueva etapa, alejada de la belleza superficial que nos mostraba en "El último viaje de Robert Rylands" (Gracia Querejeta, 1996) o "Cuando vuelvas a mi lado" (Gracia Querejeta, 1999), durante estos años ha sido directora de series como "Cuéntame cómo pasó" (2 episodios en el año 2009) o "Víctor Ros" (2014), de un carácter típico español, alguna migaja ha quedado de ellas en "Felices 140", disfrútenla ahora, en las mejores salas.

miércoles, 6 de mayo de 2015

100 años con Orson Welles

Un 6 de mayo de 1915 nacía el pequeño Orson Welles en el estado de Wisconsin, su figura como cineasta es irremplazable, su característico estilo cambió la historia del cine, nunca exento de polémica pudo vivir como quiso y encontró su verdadero amor en la tierra española, quedó fascinado con nuestra cultura, hoy en decadencia por decisiones políticas, no dudó en arrastrar con él numerosos problemas económicos para rodar en España algunos de sus inolvidables films, y junto con ellos, mujeres y amantes, que nunca cesaron de rodearle durante su vida. En 1938 una particular versión radiofónica de "La guerra de los mundos" (novela de H.G. Wells publicada en 1898) causaría verdadero terror entre los vecinos de Nueva York, ese fue el comienzo de una auténtica batalla que no cesó hasta el fallecimiento del propio Welles en 1985, los productores sentían verdadero terror ante los proyectos de Orson Welles, siempre extraños, manteniéndose entre la innovación técnica y la belleza de las historias de puro clasicismo, recordando a Shakespeare, Cervantes o los más particulares detalles del realismo, como vemos en "Citizen Kane" (Orson Welles, 1941), una película con un guión (co-escrito entre Herman J. Mankiewicz y el propio Welles) verdaderamente estudiado, donde es necesario comprender la infancia y juventud de un magnate en potencia para comprender como es capaz de convertirse en el "Ciudadano Kane", su enorme éxito corresponde también con las inmensas aplicaciones técnicas que lucieron en la película, resultado de la joven mente del maestro Welles, un director en potencia. Con nueve nominaciones la película sólo se alzó con el Oscar al Mejor Guión Original, primer indicador de que Hollywood no acoge de buen gusto el cine de calidad, sino el comercial.


Orson Welles aparca completamente el cine como todos lo conocíamos, como él lo conocía, se adentra en un mundo en blanco y negro del que nunca saldrá, un mundo dónde él es la cúspide de la pirámide jerárquica, controla a las personas, lo que dicen, lo que piensan, y de vez en cuando aparece él como un misterioso caballo de Troya, o directamente como un justiciero sin ley. En 1943 contrae matrimonio con la bellísima Rita Hayworth, personajes públicos opuestos, pero unidos por el cine o por un embarazo, hasta a la auténtica "Gilda" le fue infiel, como si de una banderilla de barra se tratase. "El extraño" (Orson Welles, 1946), además de un punto culminante en el cine negro podría ser el título de la biografía de Welles, durante los siguientes años se introducirá en un mundo negro, "El tercer hombre" (Carol Reed, 1949) será su culminación como actor, la Academia no le volverá a tener en cuenta hasta que en 1971 le fue concedido el Oscar Honorífico, obviamente fue al darse cuenta de que se les había escapado uno de los más grandes. "La dama de Shanghái" (Orson Welles, 1947) es una declaración de amor a Rita Hayworth, a la vez que una despedida, y una continuación de su amado cine noir cuyo punto culmen llegará en 1957 con "Sed de mal", diez años después y separado de la señorita Hayworth (ya casado con la mujer que le acompañaría a la tumba, sobre los papeles, Paola Mori), encontramos a un Orson envejecido y gordo, tratando temas tabú para los "grandes" Estados Unidos, de una manera cotidiana y cruel. "Sed de mal" es otra revolución para el cine, todavía continúo viendo rastros de ella en los más grandes: los Hermanos Coen, Quentin Tarantino... 


Con "Sed de mal" comienzan los problemas de Welles con los productores, la mente del director se eleva a un rango diferente, hoy en día hubiesen sido capaces de tacharle de "experimental", lo que por otra parte sería fantástico. Los productores de la película deciden rodar escenas adicionales pues creen que el filme es demasiado confuso. Ese Orson Welles envejecido y gordo de "Sed de mal" es el auténtico Orson Welles, suya es la frase: "El trabajo es una expresión de la vida", su cine es diferente, y pocas personas terminan de cogerle gusto a sus obras, fue él quien también aclaró: "Estoy en contra de la posteridad por principio, es casi tan vulgar como el éxito", a estas alturas ya había logrado sus intachables vulgaridades, pasaría a la posteridad y "Ciudadano Kane" sigue siendo el mayor éxito de Hollywood. En 1965 llega a su amada España para rodar "Campanadas a medianoche", una obra muy personal, donde nos demuestra que es una de las pocas personas que ha compartido cabeza con William Shakespeare después de muerto el autor, Jess Franco se encarga de rodar varias secuencias, brilla como ayudante de dirección. El legado del autor son dos magníficos documentales, "Fraude" (1973) y "Filming 'Othello'" (1978) que son producidos en Alemania, completamente alejado de sus orígenes estadounidenses. Los problemas económicos hicieron que no terminase cientos de obras magníficas, ¿por qué sé que son magníficas? No es que me fíe de la autoridad de Welles, pero algunos resquicios han salido a la luz, un ejemplo fue el fantástico "Don Quijote de Orson Welles" (1969-1992) que se encargó de terminar y montar su compañero Jess Franco, maestro del "serie B". Hace unos años se descubrió una película del autor de 1938, lo que significaría que existe alguien antes del "Ciudadano Kane", y hace unos días uno de sus hijos dejó ver la luz de "Al otro lado del viento", que rodada en 1970 podría ser una cinta de un gran carácter autobiográfico, se estrenará en 2016... Hay tanto que decir sobre este personaje, aún cien años después de su nacimiento continuamos descubriendo al auténtico Orson Welles...

domingo, 3 de mayo de 2015

"De mutuo desacuerdo", o el resultado de un festival lingüístico

Toni Acosta e Iñaki Miramón protagonizan esta magnífica obra de Fernando J. López que se une a la moda actual del teatro como diálogo entre dos personas (o incluso como monólogo), sin embargo el autor trata esta moda con humor, haciendo referencias a la ausencia de personajes, en una obra que consigue que el público perciba sentimientos hacia individuos que nacen del magnífico discurso entre los protagonistas. No hay nada que funciones mejor que tratar los tópicos con humor, para colmo Iñaki Miramón maneja con soltura el acento vasco que ahora triunfa portentosamente, aunque se pierda en algunas escenas. La separación de un matrimonio la hemos visto en todo tipo de soportes -cine, televisión, teatro- nunca como en "De mutuo desacuerdo", un texto magnífico que permite la versatilidad de los actores, encarnando muchos sentimientos en poco tiempo, precisamente son los cambios del poco drama a la mejor comedia, los que nos transportan a este mundo repleto de emoción y excitación que es el teatro. Recuerdo la obra y me resulta complicado expresar lo que muestra, es una explosion de saveurs con el mejor de los métodos para saborearlo: grandiosas interpretaciones, y ganas de disfrutarlas. La obra no cae en lo convencional, en lo fácil, excepto algún gag que siempre funciona para una parte del público, no se lleva a los extremos a los que estamos acostumbrados, y recupera algunos puntos de la comedia más auténtica, la de verdad, la de siempre.


Toni Acosta es una actriz sensacional, un animal escénico capaz de devorar los diálogos con sus quiebros de voz, o sus aireados movimientos, Toni Acosta es el verdadero alma de la obra, en todo momento, quiero citar alguno pero se me vienen a la cabeza todos a la vez, su teatralidad embauca a cualquiera, como sucede en la escena del restaurante: al final los comensales terminan "dándole la razón". Todo esto llevado con los problemas que acostumbran a una pareja recién salida de la convivencia, el hijo, la novia del marido, la soledad de la madre, o la eco-hermana. Iñaki Miramón es un auténtica maestro a la hora de cambiar todo el rumbo de una escena, cuando ésta parece que va a desembocar en lo peor, él aparece con sus, a veces inexplicables, respuestas, cargadas de la sátira que intentan ser disimuladas bajo un tono amable. Hasta lo rocambolesco del lenguaje que en ocasiones se utiliza para tratar "políticamente correcta" a la ex-pareja, se moja en este texto siendo tachado de "Festival Lingüístico". Quino Falero, ya un experto en la comedia, dirige esta obra en la que hasta la utilización del escenario y atrezzo están usadas con genialidad, austeramente, pero con genialidad. Ruego no se pierdan esta obra que estará hasta el 31 de mayo en el Teatro Bellas Artes de Madrid, y que continuará después de gira, con humor e ilusión después de todo, no creo que exista mejor manera de celebrar el día de la madre... Póngase todos de mutuo desacuerdo...